'Lágrimas de Eros' o cómo reactivar un blog

Me ha costado casi nueve meses escribir un nuevo post. No ha sido algo deliberado. Ha surgido así. Pasaban días, semanas, meses y no sentía la necesidad. Y eso que he visto-hecho cosas que bien lo hubieran merecido. Sin embargo, a la hora de sentarme y escribirlo, siempre habia algo más interesante en Internet. Ahora, sin embargo, he encontrado el botón de reinicio con (relativa) facilidad. La exposición 'Lágrimas de Eros' me ha recordado por qué me gustaba escribir el blog. Lo supe al momento. Está en el Thyssen, por si alguien no se había enterado, y es lo más bonito que he visto últimamente. Se presenta como un recorrido por escenas mitológicas o bíclicas en las que amor (llámalo sexo) y muerte se adoran y complementan. Desde el nacimiento de Venus a la muerte de Ofelia, pasando por Eva y la serpiente, las tentaciones de San Antonio, el sueño de Escipión, historias de sirenas, esfinges y vampiras... Pero lo mejor es que, independientemente del tema, la exposición reúne a creadores desde el Renacimiento a la actualidad obsesionados por los mismos mitos y demuestra que tanto no hemos cambiados.. La complementaridad entre unas escenas y otras, algunas prácticamente idénticas pese a estar separadas por dos, tres o cuatro siglos y técnicas diferentes, es total. No hay más que echar un vistazo a 'El nacimiento de Venus' de Botticelli y la fotografía 'Hilton Head Island' de Rineke Dijstra para observar los paralelismos (sin prejuicios). Además 'Lagrimas de Eros' me ha servido para descubrir algunos autores a los que prometo no perder la pista: el simbolista Franz von Stuck (mi preferida en la exposición es 'El vicio', pero como no hay manera de encontrarla por Internet, pongo más arriba 'Pecado' junto a la fotografía de Rachel Weisz de James White) y el fotógrafo Tom Hunter, cuya revisión de 'Ofelia' me maravilló (no podía ser de otra manera). También me apunto Gregory Crewdson... y muchos más... (seguiremos informando).

Las damas de Poe

Con todos los jaleos recientes fue el bicentenario de Poe y yo sólo pude pasar de puntillas por él. Sin tiempo, y coco, para cosas más complejas opté por referenciar al menos las novedades que han salido con motivo de su 200 cumpleaños. Una de las más atractivas, y originales, es el volumen 'Siniestras amadas', que publica Ediciones Sins Entido como un repaso por las mujeres -reales e inventados- que acompañaron al escritor a lo largo de su corta vida. Las ilustraciones son obra de Jack Mircala, que les ha dotado de un ambiente gótico primo-hermano de Tim Burton. Entre los dibujos y los relatos el resultado es un libro de lo más apetecible y muy recomendable como regalo. Vosotros mismos.
Por cierto, la librería-galería de Sins Entido expone las maquetas y bocetos de Mircala hasta el 22 de marzo.

Otra Ofelia

Ya sabeis de mi obsesión por las Ofelias... Aquí os pongo otra ilustración que he visto en el blog Uno de los nuestros y que me ha recordado al personaje de Shakespeare. La ilustradora es Audrey Kawasaki.

Sin alma, con vida

Debían dar miedo. Hoy ya estamos acostumbrados a los robots. Pero hace dos, tres o diez siglos debía sorprender tanto como en su día lo hizo el cine (pobre y sin embargo hiperreal para los que nunca habían visto imágenes en movimiento). Tampoco eran accesibles para todos. Al revés, eran los juguetitos de los más ricos, que los lucían en todo tipo de reuniones como quien presume de la habilidad de un hijo tocando un instrumento musical o de la última monería de su mascota. Los autómatas vienen de lejos. Hay referencias de estas maquinarias incluso en el 1500 a.C., cuando construyeron una estatua del rey de Etiopía que emitía sonidos cuando le daba la luz de sol. En el siglo XVIII y XIX, antes de la proliferación de las máquinas, fue cuando alcanzaron su esplendor. De entonces son algunos de los protagonistas del vídeo de arriba. Pequeños seres que eran capaces de escribir, dibujar o tocar un instrumento. También hubo quien consiguió crear un pato capaz de digerir comida. Y hoy, cuando casi se ha alcanzado la perfección para crear cualquier tipo de vida artifical, algunos miran a las técnicas del pasado. Fracois Junod es uno de ellos. Quizá se podría decir algo parecido de Theo Jansen.
Si quereis más información, pinchad aquí.

La delicadeza de la escultura

Desde que vivo en Madrid, intento no dejar escapar ninguna exposición de la Fundación Mapfre. La descubrí con la excelente Camille Claudel y desde entonces ha traído 'Amazonas' (una recopilación de obras hechas por artistas femeninas a comienzos del XX) o los dibujos de Rodin. Además, este año ha inaugurado nueva sede en el Paseo Recoletos, en una casa palaciega del siglo XIX, y lo ha hecho con una exposición de Degas. Aparte de descubrirme obras y artistas maravillosos, la Fundación Mapfre también me ha despertado el amor por la escultura, una disciplina que muchas veces olvidamos. En la muestra de Degas hay sobre todo esculturas y dibujos a través de los cuáles el artista investigó el cuerpo humano y sus posturas. Pueden contemplarse joyas como la 'Bailarina de 14 años', 'El barreño' o la de obra de la izquierda, una de las que más me gustaron de la exposición. Está abierta hasta el 6 de enero y se la recomiendo a todo el mundo. Si no os da tiempo, ya sabeis, estad atentos a la próxima porque realmente la Fundación Mapfre es un valor seguro.
P.D. Si vais hasta la Fundación no dejeis de subir a la planta primera, donde tienen una muestra de arte español de 1900, y contemplar 'La Sibila', de Anglada Camarasa.

Leyendas y prerrafaelitas

Me dice el jinete eléctrico que a él el dibujo de Mazakii con la que ilustré hace unos meses un post de Ofelia le recuerda más a la dama de Shalott que a la ahogada de Hamlet. Y me pone el enlace a uno de los cuadros más bonitos sobre este tema: el que hizo John William Waterhouse (otro prerrafaelita como Millais, que él sí pintó a Ofelia). ¡Qué mejor ocasión que echar un vistazo a los prerrafaelitas! Esta corriente pictórica que surgió en Inglaterra en el XIX defendía la vuelta al arte anterior a Rafael y los temas mitológicos y religiosos. Nos han dejado una colección de cuadros mágicos, de figuras etéreas y de aire medieval, que a mí por lo menos me tienen cautivada. Y, entre todas las reinas que dominaron sus cuadros, brillaron especialmente Ofelia y la dama de Shalott. Esta última está sacada de las leyendas artúricas y es la historia de una mujer que vivía encerrada en una torre y a la que acechaba una maldición. No podía mirar a las tierras de Camelot. Pero un día, vió por el reflejo de su espejo a Lancelot y olvidó el terrible augurio. Se subió a una barca y dejó que el destino acabase con ella. (Os dejo aquí el enlace al poema de Tenysson).
P.D.: Como no me olvido de Ofelia también os dejo uno de los varios cuadros que Waterhouse dedicó a esta mujer.

El arte también es cosa de dos

Durante siglos quisieron convencernos de que nuestro mejor papel era el de musas. Pero no se podía ocultar por más tiempo. La inspiración y la influencia ha sido mutua. Nada de bellezas estáticas y ausentes, porque la mejor inspiración está en el trabajo. Un museo de Colonia profundiza en la relación de algunas parejas de artistas como Frida Kahlo y Diego Riversa, Rodin y Camille Claudel, Gabriele Münter y Kandinsky o Pollock y Lee Krasner. Los diálogos entre sus obras demuestran que el arte también se pega y es que, ya lo dice el refrán popular, "dos que duermen en el mismo colchón, se vuelven de la misma condición". Bromas aparte, si alguien tiene la posibilidad de pasar por Colonia...que no deje de visitarla, debe ser preciosa.
En la foto: Niki de Sain Phalle y Jean Tinguely.

Otra vez, no

El fantasma del Katrina todavía no se ha ido de Nueva Orleans y Gustav ya quiere hacerle sombra. Esperemos que en el último momento se arrepienta, porque si no esta vez si va a ser el fin de la ciudad del jazz.
En la foto, grafiti que hizo Banksy hace tan solo unos días en Nueva Orleans y capturado por jonnodotcom.

Un tour privilegiado

Existe un museo en el que se guardan todas las obras de arte perdidas. No está lejos, pero es difícil de encontrar. Tiene los mejores Da Vinci, Tiziano, Velázquez y Goya. Y ninguno es falso, no, no. Existe también una biblioteca que custodia los libros que no se llegaron a escribir. Si rebuscas bien puedes encontrar los poemas de Rimbaud tras sus aventuras por Etiopía, el final de 'El castillo' de Kafka o la historia que siempre atormentó a Dostoievski. Hay que remangarse, ser concienzudo y tener paciencia, porque tiene repletas estanterías y estanterías de libros. Si quieres te llevo, pero ¡ssshhh!, no puedes contárselo a nadie.

Paul Strand vs Edward Steichen

Hay maneras y maneras de contar historias. Y hay maneras y maneras de plantarse detrás de un objetivo. Aunque quizá el planteamiento de origen sea el mismo. A comienzos del siglo XX, un grupo de fotógrafos norteamericanos, hermanados a través de Afred Stieglitz, decidieron que había que cambiar el modo de retratar el mundo. Hasta entonces se imponían las instantáneas etéreas, de perfiles borrosos y ambientes casi de ensueño, que se englobaban en la corriente pictorialista. Frente a ellas surgió un nuevo camino, en el que Paul Strand y Edward Steichen destacaron enseguida, y en el que se apostaba por contornos definidos y fotografías "de la realidad". Nueva York, sus edificios, sus calles, sus gentes, quedaron inmortalizados gracias a estos dos fotógrafos. Sin embargo, poco a poco sus trayectorias se fueron distanciando. Steichen siempre prefirió las imágenes del glamour, de los artistas -de cualquier disciplina, de Rodin a Marlene Dietrich-, de la moda o del mundo del cine. Trabajó para Vanity Fair y fue comisario del MOMA. Mientras, Strand -muy crítico con la línea llevada por Steichen- se decantó por las vidas anónimas, los desheredados, los pobres de los pobres. Viajó a Ghana, Egipto y Marruecos. Pero también atendió a la América o a la Rumanía profundas. Las trayectorias de ambos pueden verse ahora en España. Paul Strand, en la Fundación Barrié (A Coruña). Steichen, en el Reina Sofía y Museo del Traje (Madrid). Pasen, vean y juzguen con cual se quedan. Yo no lo tengo claro.

Mujeres de armas tomar

A estas alturas no tengo que decir que me encantan las historias de mujeres que se rebelaron contra los estereotipos y que contribuyeron con su pequeño grano de arena a que alcanzasemos los derechos que hoy tenemos. La Pinacoteca Moderna de Múnich demuestra que el campo de la fotografía ofrece buenos ejemplos de mujeres reivindicativas tanto delante como detrás de la cámara. De la surrealista Claude Cahun a la díscola condesa de Castiglione o la innovadora Wanda Wulz. Si no podeis visitarla, aquí teneis algo más de información y aquí, algunas de sus imágenes.

El artista es un dios

Una buena parte del mundo conocimos a Theo Jansen gracias a este anuncio. Nos daba las claves de un hombre que, gracias a tubos de PVC, botellas vacías y plásticos, creaba unas extrañas criaturas capaces de moverse con la ayuda, eso sí, del viento. Al margen de su valor estético, su movimiento 'cangrejil' y sus miles de patas ya hacían intuir que detrás de ellas había un complejo sistema motor. Al Museo Reina Sofía han llegado algunos de sus strandbeest o animales de playa con motivo de la exposición 'Máquinas & almas'. Eso permite descubrir que las criaturas de Jansen tienen aún más complejidad de la que parece. Es artista holandés no se conforma con que se muevan, quiere que tengan vida propia y lleva investigando y mejorando sus prototipos durante más de diez años. Un pequeño tubo permite a estos animales descubrir que se están metiendo en el agua y, acto seguido, dan media vuelta. Otro mecanismo les permite cambiar de nuevo de orientación si lo que tocan es arena seca. Incluso Jansen ha creado crías que son ayudadas por los animales 'madre'. Quiere crear una manada y que sean autosuficientes. Por ahora sus logros son increíbles.
Más en su web oficial. Sobre 'Maquinas & Almas, vídeo en ADN.es.

A vueltas con 'El Coloso'

Pocas cosas hay en la historia del arte español que sean más intocables que Francisco de Goya. Pero el Prado no ha tenido problemas en dar a conocer lo que piensan sus expertos: nada más y nada menos que 'El Coloso' no es de Goya. Manuela Mena, la jefe de Conservación del siglo XVIII en la pinacoteca, se ha erigido como voz cantante. Dice que lleva 17 años sospechándolo y que ahora está más segura que nunca. Tanto es así que ha sugerido -y sugerido es una manera sutil de decirlo- que hay muchos más cuadros bajo sospecha. Parece que hasta las pinturas negras tienen su autoría pendiente de un hilo. Pero las cosas no terminan aquí. Varios expertos han puesto el grito en el cielo y aseguran que las pruebas de Mena son casi paparruchas. Para terminar de rematar las cosas, Juliet Wilson-Bareau -colaboradora de Mena y asesora de la última exposición de Goya en el Prado- dice que una de las piezas de la muestra puede no haber salido del picel del genio sordo. ¿Quién dio que el arte no era divertido?, ¿qién cree ahora que los mejores culebrones se emiten a la hora de comer?
Toda la polémica de 'El Coloso', en ADN.es

Mucha delicatessen

Cuando los carteles eran un arte, Alphonse Mucha era el rey de la cartelería, del merchandising, de la publicidad. El artista checo -no demasiado conocido por su nombre pero sí por su estilo y obras- triunfó en su tierra, en Europa o en Estados Unidos de tal forma que lo mismo era contratado para decorar una caja de galletas que se hablaba de él como alma del art nouveau. En Praga, tiene un museo y, hasta finales de agosto, en Madrid tenemos un pedacito de su arte. El Caixaforum recorre la vida y creación de Mucha, con sus jabones, fotografías, posters y cuadros. Sus figuras a medio camino entre el cuento de hadas y la mitología, sus cabellos enredados con flores, sus tonalidades pastel... puede incluso parecer cursi de tanta perfección. Pero es una delicatessen.
Más en Caixaforum y ADN.es.

Moïse Kisling

En verdad es algo así como el hijo menor -en sentido artístico- de Modigliani. Pero después de ver la mitad de la exposición sobre el pintor italiano en Madrid (repartida entre el Thyssen y la Fundación Caja Madrid), me he quedado con ganas de conocer más de su vida y obra. Moïse Kisling nació en Polonia en 1891 y pronto se trasladó a París para imbuirse del ambiente bohemio de Montparnasse. Allí conoció a Modigliani, a Kiki y a muchos más creadores decididos a revolucionar el arte. Y allí desarrolló buena parte de su obra. Figuras frágiles, colores expresivos y ojos gigantes. Aunque tuvo éxito en vida, no llegó a alcanzar la repercusión de los grandes del momento. Aún así, nunca está de más echarle una mirada atenta. Algunos de sus cuadros son verdaderas joyitas.
Más, en wikipedia.

Paseando entre esculturas

¡Ssssshhhh! No se lo digais a Camille. No me lo perdonaría. Aún así le he reservado un post. Y es que se lo merece. Hablo del Museo Rodin. Un rincón que no se debe olvidar a la hora de viajar a París. El Museo D'Orsay y el Louvre reclaman mucho más tiempo. El del escultor que hizo enloquecer a Camille es poco más de un paseo entre joyas escultóricas. Fuera, un jardín salpicado con algunas de sus obras más conocidas. De 'El pensador' a 'Los burgueses de Calais' o 'Balzac'. Dentro, en una palacete barroco que perteneció al artista,'El beso' o 'La catedral', además de las piezas de su más que aventajada alumna Camille Claudel (que hace unos meses tuvimos la suerte de tener en Madrid y que, por eso, estos días no estaban en París). Se pueden ver los bocetos, como se pasaba del yeso al mármol, del mármol al bronce y cada vez en piezas más grandes. También hay explicaciones sobre cómo era la creación. Y miles de obras memorables. No se lo digais a Camille, no me lo perdonaría después de lo que sufrió por Rodin, pero definitivamente es una parada obligada.

Préstamos imposibles

Dice el director de la galerías de los Uffizi que ellos no prestan las obras de su exposición para no defraudar a sus visitantes. Que no consideran justo que una persona que viaja a Florencia y entra en esta pinacoteca buscando 'El nacimiento de Venus' de Botticelli o la 'Venus' de Tiziano se pueda ir de vacío. Tiene lógica. Es una pena porque nunca podrás ver en tu ciudad ninguno de estos cuadros pero, al mismo tiempo, da mucha rabia cuando vas a la National Gallery o el Louvre, quieres ver una obra en concreto y te encuentras que la han cedido temporalmente. Es lo mismo que si vas a Milán y la catedral está de obras con un panel que cubre la fachada. Además de impedirte la foto de rigor, te entra la duda de cuando tendrás otra oportunidad de estar delante de esa obra de arte.
De cualquier manera, en Madrid tenemos suerte. La galería de los Uffizi ha prestado al Caixaforum una parte de sus fondos que no suelen estar a la vista. No está la Venus, pero sí Botticelli.

HdH10: Marga Gil Roësset

Hace un par de meses hice una breve reseña de Historias de la Historia sobre la increíble escultora Camille Claudel. Hoy, y gracias a esta inestable profesión (unas veces tan preciosa y otras tan desagradecida), ha llegado a mis oídos la historia de Marga Gil Roësset, una mujer con más de una semejanza con la francesa. También escultora de talento y víctima del amor más irracional, Gil Roësset (1908-1932) fue una niña enfermiza pero con una insospechada fuerza artística. Comenzó con el dibujo y siguió con la escultura. Sorprendió a la crítica. Y es que no era habitual que una chica de veinte años dominase la técnica de esa forma, innovase y conmoviese con sus piezas como ella lo conseguía. Sin embargo, en la trayectoria de Marga se cruzó la figura de Juan Ramón Jiménez. La joven conoció al poeta y Premio Nobel cuando él ya sobrepasaba los cincuenta y fue, mientras realizaba unos bustos de él y su mujer Zenobia, cuando perdió la cabeza totalmente por él. Algunos piensan que él ingenuamente alentó el amor de la joven. Otros que simplemente fue la fuerza del primer amor -y la impotencia al no verse correspondida- quien impulsó a Gil Roësset a coger la pistola y pegarse un tiro en la cabeza. Antes, tuvo tiempo para destrozar buena parte de sus obras, lo que ha impedido que su genio llegue a nuestros días como debiera y que se le recuerde por algo mas que por ser la escutora de 24 años que se suicidó por Juan Ramón Jiménez.
Más en ADN.es y web sobre la artista.

Hd8: Romaine Brooks

La Fundacion Mapfre de Madrid expone 'Amazonas del arte moderno', un recorrido en clave femenina por el arte del siglo XIX y XX. Más allá de picassos, dalís, van goghs o munchs, la historia del arte tiene otras protagonistas que, aunque con menos fama y muchas más dificultades en su labor creativa, no deben ser pasadas por alto. Frida Kahlo, Tamara de Lempicka, Mary Cassat... o Romaine Brooks. Nacida en 1874 y después de una infancia un poco solitaria, se convirtió en la primera mujer en estudiar Arte en la Academia de Roma. Tuvo un matrimonio de algo menos de un año, y tras la muerte de madre y hermano, convertida ya en una rica heredera, se trasladó a París y se dedicó a la pintura. Sin presiones económicas, desarrolló su propio estilo: retratos, grises y mujeres. No tenía necesidad de vender un solo cuadro y, por eso mismo, se decantó por el simbolismo en un tiempo en el que el expresionismo era un valor en alza , lo que motivó que las galerías y mundo del arte no le prestase demasiada atencion. Para entonces ya era una lesbiana reconocida. Se cortó el pelo, se vistió de dandy y compartió alcoba con hombres y mujeres, aunque su amante más duradera fue Natalie Barney. Estuvieron juntas casi cincuenta años aunque Brooks decidió abandonarla por sus infidelidades cuando ya contaba con noventa años. Murió unos años más tarde, sola en el sur de Francia.
Más en Fundación Mapfre.

Ofelia o la muerte entre nenúfares

Siempre me ha cautivado el mito de Ofelia, amada por Hamlet y muerta en las aguas víctima de su locura. Esta ilustración de la japonesa Mazakii -estudiante de diseño de moda y con ciertas semejanzas a Jordi Labanda- me recuerda mucho a este personaje pese a estar en una barcaza en lugar de sumergida en las aguas. Una pintura que, pese a no tener nada que ver ni en tiempo ni espacio, guarda similitudes -o, al menos, yo se las veo- con el lienzo de Millais, una de las representaciones más conocidas de Ofelia, evocada por Rimbaud o Brecht y representada en decenas de pinturas.